Arquivo de Netflix - Metropolis

Gambito de Dama: A Vida é Como um Jogo…

21 de Outubro, 202020 de Outubro, 2020
by Sara Quelhas

A METROPOLIS teve acesso antecipado à minissérie «Gambito de Dama», protagonizada por Anya Taylor-Joy. A série, composta por sete episódios, tem estreia marcada na Netflix para sexta-feira, 23.

Anya Taylor-Joy tem vindo a consolidar o seu lugar no grande ecrã. A atriz, de 24 anos, distinguiu-se recentemente com M. Night Shyamalan em «Fragmentado» (2016) e «Glass» (2019), ao interpretar a principal obsessão de James McAvoy. Agora, chegou o desafio mais exigente até à data: protagonizar a minissérie «The Queen’s Gambit», da Netflix, que em Portugal foi traduzida para «Gambito de Dama».

O nome da série remete para uma das jogadas mais icónicas do xadrez, The Queen’s Gambit, que funciona como o fio condutor da história de Beth Harmon (Anya Taylor-Joy). Após ficar inesperadamente órfã, a criança é levada para um orfanato conservador, onde as crianças são controladas à base de medicamentos tranquilizantes. Os famosos “comprimidos verdes”, muito fortes, incentivam a imaginação da criança, que começa a visualizar tabuleiros de xadrez no teto do dormitório. Isto depois de conhecer o solitário Mr. Shaibel (Bill Camp), que costuma jogar sozinho na cave.

A trama é baseada no livro The Queen’s Gambit, da autoria de Walter Tevis, publicado em 1983.

Gambito de Dama: Se a vida é um xadrez, nós somos as peças

A ação começa em Paris, em 1967, revelando uma Beth à sua pior luz, agarrada aos seus vícios. Quando finalmente chega, atrasada, a um jogo, a narrativa recua ao passado para nos revelar a sua história. Afinal, é preciso perceber o fenómeno de Beth Harmon antes de a julgar. E tudo começa quando fica órfã depois de a mãe morrer num acidente de carro.

Deslocada, a vida triste de Beth encontra novo alento com o xadrez e as suas técnicas. A criança mostra uma aptidão natural e, apesar do constante “castramento” de que é alvo no orfanato cristão, encontra sempre forma de contornar os obstáculos. No entanto, a adição dos comprimidos molda também a sua personalidade e é estabelecida uma dependência muito difícil de quebrar. Uma imagem, aliás, das crianças medicadas para não terem tanta energia…

Uma jovem mulher num mundo dominado por homens, Beth começa por ser encarada como o elo mais fraco de uma competição feroz, até ao momento em que ela se torna a ameaça. Dos torneios locais e sem grande impacto aos principais palcos dos Estados Unidos e do mundo, Beth vai quebrando barreiras e fazendo a diferença. Enquanto a dependência do álcool e dos “comprimidos verdes” se mantém, a jovem prodígio deixa de saber onde tem início a sua capacidade e onde acaba o vício. Os dois lados confundem-se.

Sendo o xadrez um jogo mais técnico e muito estratégico, a narrativa tem o desafio de equilibrar a perícia de Beth com o seu mundo interior, em constante turbilhão. A série consegue-o com muito mérito, contando com a ajuda do diálogo e da banda sonora, que estabelecem o estado emocional da cena. Já Anya Taylor-Joy aproveita o seu look “desajustado” para explorar, através do olhar e da linguagem corporal, toda a complexidade que Beth representa.

Por sua vez, há também o lado do amor, romântico, familiar e de amizade, que pode assumir variadas formas e nem sempre é um problema fácil de resolver. A relação mais enriquecedora é de Beth com Alma (Marielle Heller), uma mulher à deriva no mundo depois de uma relação destrutiva. Alma acaba por ser a bússola inesperada na vida da promissora jogadora que, aos poucos, vai encontrando alguma luz no meio da escuridão em que vive mergulhada.

«The Queen’s Gambit» é uma criação de Scott Frank e Allan Scott. No elenco destacam-se, a par da protagonista e dos já mencionados, Harry Melling (Harry Potter), Thomas Brodie-Sangster (Maze Runner), Moses Ingram e Jacob Fortune-Lloyd.

Séries

Alguém Tem de Morrer: O Maior Crime é o…

15 de Outubro, 202015 de Outubro, 2020
by Sara Quelhas

A Netflix estreia amanhã, 16, a minissérie espanhola «Alguém Tem de Morrer». A aposta retrata a Espanha Franquista dos anos 50, perante o “choque” da homossexualidade e dos “vermelhos” da esquerda. A Metropolis teve acesso antecipado aos dois primeiros episódios.

Depois de «A Casa das Flores», Manolo Caro regressa com um novo original: «Alguém tem de Morrer». A minissérie, composta por três episódios, retrata a história de um jovem espanhol e do seu amigo bailarino e mexicano na Espanha Franquista e preconceituosa dos anos 50.

Gabino (Alejandro Speitzer) regressa a casa depois de 10 anos no México. Com ele vem Lázaro (Isaac Hernández), um bailarino promissor, que é colocado logo de parte pelo preconceito de que todos homens que dançam são homossexuais. Os rumores de que os dois mantêm um relacionamento amoroso não tardam, o que se torna ainda mais perigoso já que o pai de Gabino, Gregorio (Ernesto Alterio), trabalha numa prisão e tem uma reputação a manter. Ali, os homossexuais são torturados para denunciarem parceiros e são violentados rotineiramente.

O mesmo tratamento tem a oposição de Franco. Os denominados “vermelhos” são marginalizados pela sociedade, a par dos seus familiares. A liberdade é uma utopia e, até nas próprias casas, os espanhóis não são livres de serem quem são. Além do preconceito para com os mexicanos e o México em si, Gabino e Lázaro são marginalizados pelas suspeitas que vão surgindo, e que se intensificam quando o primeiro é instigado a casar com Cayetana (Ester Expósito)… e não quer.

«Alguém tem de Morrer» funciona como um filme mais extenso, que recupera a Espanha Franquista e preconceituosa que se viveu no país vizinho. A ditadura não é apenas política, ainda que a oposição de esquerda tenha algum destaque, mas sobretudo social e inter-relacional. Em evidência está também a Dona Amparo (Carmen Maura), a matriarca da família central, que tenta a todo o custo manter a moral e bons costumes.

A narrativa é sólida e a história bem ritmada e complexa. Há a perspetiva das vítimas, que assumem esse papel simplesmente pela falta de aceitação dos pares, e também dos culpados. As personagens destacam-se nesse papel ora como autoridade, ora como denunciantes, mesmo quando não há certezas ou provas do que acusam. A lembrar a PIDE, em Portugal, e o clima de medo que se vivia então. É fácil, portanto, criar empatia com as personagens e identificar paralelismos com a nossa história.

Séries

The Haunting of Bly Manor: Um Regresso (a Casa)…

6 de Outubro, 20206 de Outubro, 2020
by Sara Quelhas

Depois de uma primeira temporada de sucesso, Mike Flanagan regressa com «The Haunting of Bly Manor», uma história sem ligação direta à antecessora «The Haunting of Hill House». A METROPOLIS teve acesso antecipado ao êxito da Netflix, que promete voltar a agarrar a audiência a partir de sexta-feira, 9.

Eram muitas as dúvidas que se levantavam, na antecipação do take 2 de «The Haunting of Hill House», e, a bem do suspense, muitas vão continuar sem resposta até à estreia. Após uma temporada acima das expetativas, Mike Flanagan viu recair sobre si o peso da responsabilidade: não desiludir. Em vez de dar uma segunda temporada à história dos Crain, o criador apostou num formato de antologia e reinventou o seu elenco de luxo – ou a sua maioria – a partir de The Turn of the Screw, um livro publicado em 1898.

Victoria Pedretti (ex-Nell Crain) é agora Dani, uma norte-americana à procura de melhor sorte em Terras de Sua Majestade, na sequência de um evento traumático. A professora acaba por ser contratada pelo ausente tio Henry (Henry Thomas), como au pair da família Wingrave. A jovem será a principal cuidadora de duas crianças, os irmãos Miles (Benjamin Evan Ainsworth) e Flora (Amelie Bea Smith). Estes vivem em Bly Manor, na companhia de Hannah (T’Nia Miller, Years and Years), Jamie (Amelia Eve) e Owen (Rahul Kohli, iZombie), depois da morte fatídica dos pais.

The Haunting of Bly Manor: Ainda à procura da forever house…

Embora a nova incursão narrativa de «The Haunting of…» marque a diferença com um terror diferente, menos “assustador” e visceral, a qualidade mantém-se alta. O argumento é bastante coerente e, assim como aconteceu na S1, tem a capacidade de agarrar o público desde o primeiro momento. Tudo porque, tal como as personagens, a audiência também quer encontrar as “chaves” que vão revelar, por fim, os segredos de «The Haunting of Bly Manor».

Miles e Flora são duas crianças estranhas. Têm comportamentos antagónicos, são muito controladores dos movimentos noturnos na casa e apoiam-se um no outro para evitarem perguntas difíceis. Já Dani tenta compreender a sua nova realidade, ao mesmo tempo que é perseguida por fantasmas do passado – tal como acontece com Henry e Hannah. A governanta de Bly Manor, inclusivamente, “ausenta-se” durante as interações e raramente parece atenta ao que a rodeia.

A dimensão que a série atinge beneficia, e muito, da performance dos dois atores mais jovens, que conseguem brilhar num elenco já repleto de estrelas. Por sua vez, Victoria Pedretti e Oliver Jackson-Cohen voltam a reiterar a sua qualidade, ainda que estejam longe da sintonia a que nos habituaram quando interpretavam gémeos em «The Hauting of Hill House».

Embora os sustos sejam menos frequentes, o terror é uma constante: apenas se reinventa. A tensão é muito mais sonora (musical e não só) e subentendida, com alguns fantasmas a “espreitarem” no backstage das cenas, tal como acontecia na primeira temporada. Por outro lado, há uma sobreposição de um terror mais psicológico, tecnicista e de detalhe, que é coerente com a história que «The Haunting of Bly Manor» quer contar. Ao invés de se focar numa família e na casa que a uniu para sempre, a trama é agora mais individualista e os diálogos mais personalizados. De certa forma, é também mais concentrada, por se focar em menos personagens/storylines importantes.

Mas nem tudo é diferente neste regresso. «The Haunting of Bly Manor» repete a fórmula de recuperar o passado para explicar o presente das personagens, pelo que cada protagonista tem direito a um episódio pessoal. Ao mesmo tempo que, como não podia deixar de ser, são estabelecidas ligações com a atualidade e o perigo que, mesmo que subtilmente, se aproxima. Neste campo, há que destacar sobretudo os episódios 5 e 8.

«The Haunting of Bly Manor», assim como a antecessora, não é a típica série de terror. Embora respeite o género e as expetativas que este cria, Mike Flanagan procura elevá-lo através de um argumento complexo e sólido, que “mexe” com os espectadores e os desafia a participar. Seja procurando fantasmas no fundo das cenas, seja a trabalhar para conhecer melhor as personagens e para “fechar” os arcos que a trama deixa entreabertos.

A temporada completa de «The Haunting of Bly Manor» fica disponível esta sexta-feira, 9, na Netflix.

Séries

Ratched: Voando Sobre um Ninho de “Víboras”

17 de Setembro, 202017 de Setembro, 2020
by Sara Quelhas

A METROPOLIS teve acesso antecipado à primeira temporada de «Ratched», uma prequela livre de «Voando sobre um Ninho de Cucos» (1975). Sarah Paulson recria uma jovem enfermeira Ratched, a terrível vilã que valeu o Óscar a Louise Fletcher. A primeira temporada chega amanhã, 18, à Netflix.

Mildred Ratched é uma das vilãs mais icónicas do cinema clássico. Presença assídua nas listas dos maiores vilões de sempre no grande ecrã, a personagem eternizada por Louise Fletcher não deixa ninguém indiferente em «Voando sobre um Ninho de Cucos» (1975). O filme realizado por Milos Forman, e baseado no livro de Ken Kesey — publicado em 1962 —, arrebatou cinco Óscares em 76 e ainda hoje é considerado um dos melhores da história do cinema.

«Voando sobre um Ninho de Cucos» (1975) retrata o dia a dia de um hospital psiquiátrico, onde McMurphy (Jack Nicholson) e companhia tentam sobreviver à tirania da enfermeira Ratched. Situado nos anos 50, o drama aborda as difíceis teias burocráticas e os tratamentos violentos a que os pacientes eram sujeitos, sem pinga de humanidade. No centro do conflito, emerge uma Ratched malvada e de discurso afinado, que representa o pior daquela época.

Ratched levada ao extremo

Em «Ratched», tudo é exagero. As roupas são extravagantes, os momentos de conflito são elevados e os acontecimentos “inesperados” sucedem-se a um ritmo frenético. A assinatura de Ryan Murphy está lá a cada curva, pelo que resta saber se esta era a ideia original de Evan Romansky ou se o super-produtor usou do seu estatuto para a moldar mais a seu gosto. No centro, Sarah Paulson tem de dividir as atenções com um Finn Wittrock ao seu melhor nível, e com Sophie Okonedo numa segunda fase.

Tudo começa com um assassinato em série, levado a cabo pelo lunático Edmund Tolleson (Finn Wittrock), que não se percebe bem de onde vem. Ratched parece intrigada com o caso, enquanto viaja até ao Lucia State Hospital para tentar assegurar um lugar como enfermeira… onde Edmund está internado.

Os trejeitos estranhos, desconfortáveis até, ecoam o semblante de Louise Fletcher há mais de 40 anos, ainda que numa versão mais light. Há um pouco de nostalgia para quem viu o filme, mas a sensação de familiaridade esgota-se rapidamente. «Ratched» não é uma série para os fãs de «Voando sobre um Ninho de Cucos» (1975), é uma série para todos.

A perturbada enfermeira, envolta em mistério, usa uma das marcas da personagem original: o discurso como arma de poder. No entanto, e como seria de esperar, a sua instrumentalização não é tão fria e violenta como na idade adulta. Há mais um efeito choque, muito visual também (com alterações abruptas de cor) e uma banda sonora desconcertante — um olhar mais moderno e sonoro do que no filme. A lembrar, lá está, outros trabalhos do cocriador Ryan Murphy.

Por sua vez, o tipo de violência praticado pela personagem de Paulson é mais abrangente que o de Louise Fletcher, mais psicológico e cerebral.

A história de origem

Ao invés de um confronto com os pacientes, são mais notórios os desentendimentos com a enfermeira-chefe Betsy Bucket (Judy Davis) e o médico/gestor do hospital, Dr. Richard Hanover (Jon Jon Briones). Algo que, a funcionar como prequela, antevê uma progressiva “apatia” e desligamento da protagonista. Embora essa vertente seja interessante, nem sempre é executada da melhor maneira, caindo para segundo plano perante a força do campo visual e do exagero das situações. Ao mesmo tempo, Edmund Tolleson vai conseguindo manter a audiência em alerta.

Apesar da sensação de exagero, perante a sucessão de azares e situações de choque, há uma subcamada que funciona como história de origem de Ratched. Tudo o que lhe vai acontecendo molda, um pouco mais, um traço da sua personalidade. E mesmo os momentos de aparente bondade não são lineares e têm sempre um “efeito secundário”.

Em segundo plano, as tentativas de cura de Dr. Hanover deixam-nos incomodados, nomeadamente no que diz respeito à lobotomia. Os tratamentos “inovadores” roçam o macabro e a tortura, um eco do passado da psiquiatria e dos hospitais mentais de outros tempos.

As dúvidas em relação à evolução dos oito episódios, que serão disponibilizados de uma só vez na Netflix amanhã, dissimpam-se parcialmente com o episódio final. O cliffhanger de transição para a segunda temporada, já confirmada, é consistente e promete revolucionar o rumo da narrativa.

Destaque para o elenco de luxo, que inclui ainda nomes como Cynthia Nixon, Sharon Stone, Corey Stoll, Vincent D’Onofrio e Daniel di Tomasso, entre muitos outros.

Séries

Away… para Marte: Um Drama do Outro Mundo

29 de Agosto, 202030 de Agosto, 2020
by Sara Quelhas

A METROPOLIS teve acesso antecipado aos quatro primeiros episódios de uma das estreias mais aguardadas da Netflix em 2020. «Away» chega esta sexta-feira, 4, e traz uma Hilary Swank ao seu melhor nível. No centro da narrativa, o esforço mundial para alcançar o Planeta Vermelho.

Há em «Away» uma sensação constante (e inquietante) de finitude. Ao mesmo tempo, sobressai uma camada oposta e igualmente cruel: tudo o que é negativo prolonga-se. No tempo e no Espaço. Mais do que uma série de ficção científica, um género onde a Netflix tem sido feliz, «Away» é um soberbo drama humano. Uma surpresa agradável naquela que é a primeira criação autoral de Andrew Hinderaker, que conta no currículo com passagens pelos argumentos de «Penny Dreadful» e «Pure Genius».

Hilary Swank é Emma Green, a astronauta norte-americana que comanda uma missão mundial que tem como destino Marte. A sua equipa é composta por especialistas de diferentes nacionalidades: Misha (Mark Ivanir), Ram (Ray Panthaki), Lu (Vivian Wu) e Kwesi (Ato Essandoh). Depois de vários anos a treinar em conjunto, o grupo parte para uma viagem de três anos – cujo regresso está longe de ser uma certeza.

Na próxima sexta-feira, 4, há 10 episódios para ver de seguida e descobrir se esta missão tem ou não final feliz. Por aqui já se viram quatro e o balanço é muito positivo.

Mais coração do que razão…

Vistos como heróis pela população em geral, os elementos deste quinteto espacial têm o “mito” desconstruído aos olhos da família e amigos. Num episódio piloto marcado por linhas temporais manipuladas para uma melhor contextualização da história, ecoa a efemeridade do presente e a dimensão assustadora da distância. Para lá da missão no Espaço, há a vida individual e o drama “banal” que é estar longe das pessoas de quem mais gostamos; e perder o controlo.

É certo que esta descrição denota uma forte componente emocional da narrativa, mas, em vez de a enfraquecer, torna-a mais forte. A viagem a Marte ganha profundidade: à ciência junta-se a fragilidade humana e o peso das escolhas. As que são aceites pela família, como é o caso de Emma, e as que destroem laços, na situação de Misha. E, mesmo no primeiro caso, depressa se percebe que até essa força apresentada como imbatível está presa por fios muito frágeis.

Matt (Josh Charles, The Good Wife), o marido de Emma, viu o sonho de ir a Marte desfeito por uma doença genética. Fica em Terra com a filha Lex (Talitha Eliana Bateman), uma adolescente que, de repente, se encontra no meio de um mundo grande demais para ser capaz de o perceber. Já à distância, a capacidade de Emma corresponder ao que esperam dela em casa e no Espaço vai passando por altos e baixos. Colocada em causa como líder, tem de se superar enquanto todo o mundo está a ver.

O facto de estarmos perante uma minissérie de 10 episódios permite uma complexidade que nos filmes do género chega muitas vezes apenas subentendida (não há tempo para tudo). A empatia é trabalhada com afinco e detalhe e, apesar das pistas do argumento, existe espaço para surpresas. Com a bagagem que o grupo leva consigo, há também o desenvolvimento com episódios dedicados a cada um, repescando o passado e idealizando o futuro.

Com Hilary Swank a ser a estrela mais brilhante desta galáxia de luxo, «Away» sai reforçada sobretudo dos seus diálogos e do impulso que Emma dá aos acontecimentos. Apesar da responsabilidade que transporta, o espectador vê muitas vezes apenas a mãe, a esposa e uma pessoa insegura – ainda que determinada quando necessário. Alguém humano, sem laivos de heroína ou gestos mágicos dignos de um salvador (embora tenha os seus momentos), onde a distância entre o sucesso e o fracasso é somente um passo. Uma história contagiante.

Séries

Dirty John: O Caso de Betty Broderick

19 de Agosto, 20206 de Setembro, 2020
by Sara Quelhas

Após uma estreia bem conseguida, «Dirty John: The Betty Broderick Story» marca o regresso da antologia à Netflix, desta feita com menos pressão. A segunda temporada já está disponível na sua totalidade.

Amanda Peet (O Amor Está no Ar, Togetherness) é a estrela mais brilhante na nova incursão de «Dirty John» no catálogo da Netflix Portugal, agora com um divórcio que virou homicídio. «Dirty John: The Betty Broderick Story» recupera um caso infame e muito conhecido nos Estados Unidos: o fatídico assassinato de Dan Broderick (aqui interpretado por Christian Slater), no final da década de 80. Destroçada pelo fim do seu casamento, Betty Broderick vai acumulando comportamentos desviantes, até matar a tiro o ex-marido e a sua nova mulher.

Ainda atrás das grades ao dia de hoje, Betty vê a sua história chegar a um público mais vasto, com uma boa dose de drama à medida do que a criadora Alexandra Cunningham já nos habituou. Mais uma vez, a ficção e a realidade misturam-se para dar força às personagens e providenciar uma maior reação do espectador. Também o tempo, entre flashbacks e avanços, é manipulado em função da narrativa e da emoção que esta procura despertar (e preparar).

Não obstante, o caminho da season 2 foi mais fácil do que a narrativa de estreia. É que, desta vez, Cunningham não tem a pressão de um podcast de popularidade estratosférica. A história do “Dirty John” John Meehan, que inspirou a season 1, estabeleceu-se primeiro num podcast que contou com mais de 50 milhões de downloads. É certo que a s2 teve direito a programa de lançamento, mas este esteve bem longe de atingir a mesma audiência e as expetativas foram, consequentemente, menos exigentes.

Amanda Peet: o papel de uma vida

Praticamente irreconhecível como Betty Broderick, Amanda Peet descola-se completamente na série de antologia de uma carreira marcada pela comédia. Com quase 70 créditos totalizados no IMDb, os seus papéis mais emblemáticos surgem muitas vezes associados ao fator cómico. A atriz, casada com um dos criadores de «Game of Thrones», chama as atenções todas para a sua prestação. Da fase risonha à fase maníaca, Peet responde ao que a personagem de si exige, deixando adivinhar desde cedo a instabilidade interior da assassina.

Ao seu lado tem o talentoso Christian Slater (Mr. Robot), na pele do seu ex-marido, um advogado meticuloso cujo jogo viciado leva Betty à loucura. Ao invés de estabelecer uma relação de vítima/culpada, a série da Netflix torna a conversa mais complexa e constrói Dan com um caráter muito duvidoso. Mais do que focada num homicídio, «Dirty John: The Betty Broderick Story» testa os limites do divórcio e o combate desleal que se cria entre duas pessoas de vontades diferentes. Um argumento quase “novelístico” que se engrandece com dois atores sublimes.

O elenco integra ainda nomes como Rachel Keller, Michael Rispoli, Missi Pyle e Andy Buckley.

Séries

Space Force: Do Twitter de Donald Trump à Caricatura

30 de Maio, 202016 de Agosto, 2020
by Sara Quelhas

Enquanto se prepara a “Força Espacial” nos Estados Unidos, Steve Carell junta-se a Greg Daniels, o criador de «The Office», para a concretizar primeiro no absurdo da ficção.

Muito ativo na rede social Twitter, mesmo depois da eleição como Presidente dos EUA, Donald Trump tem sido várias vezes notícia por causa dos seus comentários – sejam de índole política ou não. Depois de mencionar uma frota espacial em 2018, Trump voltou a tornar esta ideia viral quando apresentou o logo da “Space Force” já em janeiro deste ano; tudo porque era muito parecido com o da Starfleet de Star Trek. Como se toda a situação não tivesse tendência para gerar alguma comédia, Steve Carell e Greg Daniels (The Office, Parks and Recreation, King of the Hill) tornaram a realidade ficção pela mão da Netflix.

Mark Naird (Steve Carell) começa na mó de cima: como general “quatro estrelas”, um leque restrito que está à frente das principais forças militares do país. Com esperança de liderar a Air Force, Nair acaba, em vez disso, à frente da mais recente frota dos EUA, a Força Espacial. O objetivo é direto e simples: “colocar botas na lua” e, quem sabe, talvez estas até sejam feitas em Portugal.

As semelhanças com a realidade são evidentes e são normalmente lançadas como crítica disfarçada de comédia. Seja o POTUS muito ativo no Twitter, a China como grande adversário, a “amiga” Rússia com comportamentos suspeitos ou a “América primeiro” – mas com mão de obra científica maioritariamente estrangeira –, a caricatura está lá. No entanto, o facto de a alegoria ser prontamente rejeitada pelos criadores é um sinal dos primeiros problemas da série. Ou seja, quando a narrativa começa a tentar escapar à alegoria que estava a construir – e que sustentava parte das expetativas –, a ação perde intensidade e a comédia perde a sua força para cair simplesmente no ridículo. O que não teria consequências de maior, não fosse a sua premissa.

Não é, naturalmente, fácil falar de acontecimentos demasiado atuais. A lembrar uma espécie de “toca e foge”, «Space Force» procura a realidade para se credibilizar e foge logo de seguida quando se adivinhava um comentário mais duro. É certo que há leituras que podem ser feitas, ainda que não estejam expostas na trama, mas ficará sempre a dúvida se os criadores e produtores tiveram medo de ir um pouco mais longe.

A grande força da série está no seu elenco, liderado por Carell. A dupla formada com o Dr. Mallory (John Malkovich) é o principal atrativo da história, com os seus diálogos a alavancarem o ritmo da ação e a traçarem o perfil dos envolvidos. Além deles, «Space Force» conta com Jimmy O. Yang (Silicon Valley), Lisa Kudrow (Friends), Ben Schwartz (Parks and Recreation) e Noah Emmerich (The Americans); além da última homenagem a Fred Willard, aqui o pai do protagonista.

Séries

White Lines: O Efeito Transformador de Ibiza (e a…

15 de Maio, 202016 de Agosto, 2020
by Sara Quelhas

Depois de «La Casa de Papel», Álex Pina estreia-se com um original Netflix que conta com o português Nuno Lopes num dos papéis principais. A METROPOLIS já viu a T1 de «White Lines» e deixa um aviso: vai tornar-se um dos maiores “vícios” dos próximos meses.

Entre o misticismo que ainda hoje ecoa dos westerns ali filmados por Sergio Leone, «White Lines» arranca em Almería, com a descoberta do cadáver de Axel Collins (Tom Rhys Harries) um inglês desaparecido há cerca de 20 anos. Tal acontece na sequência de um “milagre” temporal e raro naquela zona, assim como é revelado a viva voz pela protagonista Zoe (Laura Haddock, das sagas Transformers e Guardiões da Galáxia), que deixa à vista um mistério por resolver. Está despertado o trauma e definida a missão de Zoe, que servirá de fio condutor a toda a história: uma vez que o irmão Axel tinha viajado para Ibiza em busca do sonho de se tornar um DJ famoso, é para lá que ela segue.

Uma mistura de várias coisas, «White Lines», com diálogos em espanhol e inglês, contém os ingredientes necessários para se revelar em mais um sucesso para o seu criador, Álex Pina, agora com um original Netflix após o sucesso internacional inesperado das suas criações «La Casa de Papel» e «Vis a Vis» [onde é cocriador]. A sua nova aposta transporta o dinamismo de «La Casa de Papel», combinado com «Ozark» – uma pessoa inocente envolvida no mundo das drogas – , «Succession» – o drama da família Calafat – e «How to Get Away With Murder» – um mistério “whodunnit”, com a imersão em novas perspetivas e flashbacks ao longo de toda a temporada.

Sem certezas em relação ao destino do irmão, Zoe passou por diversas provações na entrada da idade adulta, encontrando o equilíbrio possível ao lado do marido Mike e de uma vida dita normal. Assim como as demais personagens que o enredo nos vai revelando, também Zoe vai descobrir uma nova identidade em Ibiza, que desafia os seus limites e tudo aquilo que antes julgava como certo. Focada em descobrir quem assassinou Axel Collins, Zoe reencontra os melhores amigos da vítima, que viajaram com ele de Manchester, bem como a ex-namorada Kika (Marta Milans) e outros rivais do seu passado. E tudo se vai tornando menos claro à medida que a ação avança.

Os suspeitos mais imediatos são Oriol Calafat (Juan Diego Botto) e a sua mãe Conchita (Belén López), que partilham uma relação estranha desde início e se viram envolvidos com Axel a nível empresarial, no universo das discotecas, e pessoal. Perante a vontade de atraírem investidores para a construção de um casino, suavizam o negócio da droga – o que terá consequências inesperadas – e conspiram contra o homem-forte da família, Andreu Calafat (Pedro Casablanc). A premissa, a certa altura, lembra uma «Succession» com discussões mais acesas e com acontecimentos mais exagerados.

É desde cedo incerto em que categoria conseguiremos enquadrar Boxer, a personagem de Nuno Lopes, que vai crescendo à medida que a narrativa avança e se confirma como um dos protagonistas de «White Lines». O ator está a um bom nível, na pele do violento e eficaz homem de confiança do patriarca dos Calafat, que acaba por ter menos visível um lado mais poético e sentimental. Ao jeito de um improvável Verbal Kint (Kevin Spacey em «The Usual Suspects» (1995)), com uma forma de andar particular, as diferentes camadas de Boxer são executadas de forma bastante credível pelo ator, que se arrisca assim a surgir em mais produções do streaming. Também na série, ainda que com menor destaque, encontramos Paulo Pires (como George, o namorado de Anna [Angela Griffin]) e Rafael Morais, que dá vida à personagem de Nuno Lopes 20 anos antes.

Assim como acontece em «La Casa de Papel», Álex Pina usa as principais “armadilhas” do argumento para agarrar o espectador, ainda que o exagero não prejudique a qualidade da série. «White Lines» é uma história mais adulta e também mais complexa, com diversas linhas narrativas que se aproximam ao longo dos 10 episódios da T1, e promete ser uma das séries do ano, pelo menos no que a audiências diz respeito. O ritmo acelerado e o crescimento do mistério em torno de Axel tornam a maratona quase inevitável – e, apesar do final trazer respostas, é certo que ainda há muito para contar numa eventual segunda temporada.
Entre as curiosidades, destaque para a passagem improvável da música “Dragostea Din Tei”, um dos sucessos do verão de 2004, cuja banda O-Zone protagonizou um dos rumores mais emblemáticos dos anos 2000 em Portugal. Depois da notícia publicada por um jornal português, muitos acreditaram que os membros da banda tinham morrido, o que não correspondia à verdade.

Além dos atores já mencionados, a trama conta ainda com outros atores internacionais de revelo, como é o caso de Daniel Mays (Rogue One) e Laurence Fox (Lewis, Victoria), e promessas como é o caso de Jade Alleyne (Years and Years). Atendendo ao seu histórico recente, Álex Pina tornou-se a figura mais interessante da TV espanhola e «White Lines» vem, mais uma vez, atestar que veio para ficar.

Séries

Eu Nunca… Uma Nova Comédia teen Irresistível

7 de Maio, 202016 de Agosto, 2020
by Sara Quelhas

Uma das mais recentes novidades no catálogo da Netflix é a série «Eu Nunca…», centrada numa adolescente de ascendência indiana à procura do seu lugar no mundo (ou simplesmente no liceu). Esta é já a quarta série criada por Mindy Kalling.

Depois de um casting aberto que contou com a participação de cerca de 15 mil jovens mulheres, Mindy Kalling («The Office», «Mindy Project») e Lang Fisher escolheram a até agora desconhecida Maitreyi Ramakrishnan para interpretar a protagonista Devi. Com uma aposta forte na diversidade e na desmistificação de estereótipos – e comportamentos estereotipados –, «Eu Nunca…» acolhe a “herança” de hit adolescente deixada por séries como «Awkward» ou «Faking It»; ainda que arrisque falar de temas mais sérios.

Com os 10 episódios da T1 já disponíveis, a série convida a uma maratona de fim de semana para ver de seguida este novo “guilty pleasure” seriólico, já que estamos perante uma narrativa bastante leve e divertida. No entanto, ao mesmo tempo que se estabelece na comédia, «Eu Nunca…» arrisca o drama e analisa as dificuldades sentidas por Devi – não pela sua origem, mas pelas ambições e obstáculos próprios daquela idade. É sobretudo aqui que se faz a rutura: ter um elenco diverso não torna obrigatório focar intensivamente o argumento em temáticas como a descriminação ou desigualdade de oportunidades. As principais exceções a esta linha são o “casamento arranjado” de Kamala (Richa Moorjani), quando se prepara para terminar a faculdade; e os cuidados religiosos em torno de materiais (manual, mota) abençoados.

A premissa é simples: Devi está focada em ter o primeiro namorado – estendendo a sua missão a Fabiola (Lee Rodriguez) e Eleanor (Ramona Young, «Legends of Tomorrow») – e aponta todas as suas atenções para um dos principais galãs da escola: Paxton (Darren Barnet). O improvável acontece quando Paxton aceita fazer sexo com ela, mas o aparente sonho está longe de se tornar realidade assim tão facilmente.

Enquanto estabelece a sua fantasia, Devi é puxada para a vida real – por mais que tente evitar a menção à morte do pai (Sendhil Ramamurthy, «The Flash») – e para o conflito académico com Ben (Jaren Lewison). Destaque ainda para a presença no elenco de Poorna Jagannathan («The Night Of», «Gypsy») e Niecy Nash («Reno 911!», «When They See Us – Aos Olhos da Justiça»); esta última é a psicóloga de Devi que, focada na sua fantasia, a empurra para a comédia (que tanto carateriza a carreira da atriz), enquanto a Dra. Jamie (Nash) tenta manter uma conversa séria. Uma dicotomia que funciona muito bem

É precisamente na simplicidade da trama que está a sua maior força: vê-se facilmente e passa a mensagem que tem a passar sem floreados ou uma falsa sensibilidade. De certa forma, «Eu Nunca…» não é mais do que uma viagem pelas memórias da adolescência e por uma constante sensação de inadaptação, ao mesmo tempo que, tal como o nome indica, Devi vive determinadas experiências pela primeira vez (ou estas simplesmente dão mote ao tema do episódio).

Séries

Hollywood: Uma Carta de Amor ao Cinema (Que Nunca…

30 de Abril, 202016 de Agosto, 2020
by Sara Quelhas

A METROPOLIS teve acesso antecipado à minissérie «Hollywood», que será disponibilizada na totalidade amanhã, dia 1, na Netflix. Leiam o que achámos da nova aposta de Ryan Murphy, abaixo.

Por detrás de todas as artimanhas da narrativa e das liberdades criativas que Ryan Murphy e Ian Brennan (que já tinha criado com ele e Brad Falchuk «The Politician», também para a Netflix) emprestam ao passado de Hollywood, há uma verdade absoluta: o sonho de vingar no Cinema. Em ambiente de Pós-Guerra, os norte-americanos apressavam-se de todos os cantos do país, muitos deles veteranos saídos de combate, para tentar a sua sorte entre os grandes estúdios de Hollywood. Primeiro entre uma multidão em desespero que aguarda um pequeno papel de figuração, depois entre empregos falhados e oportunidades fortuitas.

Antes do arranque da ação propriamente dito, há um primeiro episódio que instala este contexto e o torna mais real para a audiência. Como rosto principal, o menino bonito da estreia de Murphy na Netflix, David Corenswet – que, desta vez, tem mais sorte do que na trama protagonizada por Ben Platt. Encantado com o sonho de ser ator, é apenas mais um entre centenas; mas até onde estará disposto a ir para ser bem-sucedido? A resposta está num Dylan McDermott («American Horror Story»), um “bon vivant” misterioso que gere um bordel, no mínimo, particular.

Depois do fracasso de atores do cinema mudo com a entrada do som, não chega apenas ser bonito. Exige-se que os atores saibam representar, que sejam naturais na sua interpretação e que “cortem” com as expressões e reações exageradas da era anterior. Como tal, a vida facilitada de Jack (Corenswet) não é mais do que uma miragem, atendendo à quantidade de pessoas belas que se apressam para Los Angeles em busca de uma vida de glamour. Quando dá por si, Jack está preso numa teia de mentiras e está lançado o mote para a história que Ryan Murphy quer contar em «Hollywood».

Entre o elenco principal encontramos Darren Criss (que venceu o Emmy com «American Crime Story: Versace»), que se tem afirmado com mais um dos atores favoritos de Murphy, o super-produtor que conta com uma lista vasta de estrelas em estreia absoluta ao seu lado ou que o voltam a reencontrar no pequeno ecrã. A lista de talentos atravessa gerações e é extensa; apenas para mencionar alguns: Holland Taylor, Rob Reiner, Patti LuPone, Joe Mantello, Mira Sorvino e Paget Brewster, além dos jovens promissores Laura Harrier, Jeremy Pope e Samara Weaving.

Apesar da persistência dos estereótipos próprios daquele tempo – a atriz afro-americana no papel persistente de empregada, os norte-americanos brancos na linha da frente, os homens nos cargos decisórios – é claro, desde cedo, que o foco de Murphy e companhia é outro. Com protagonistas “outsiders”, Murphy deixa a nu a podridão instalada nos estúdios e a forma como os mais fracos acabam por ser manipulados e, ainda que com uma falsa ilusão de escolha, são arrastados pela vontade de quem tem poder. Na promessa, lá está, de um sonho hollywoodiano ao nível de Vivien Leigh (Katie McGuinness ) ou George Cukor (Daniel London), mas também perante dos testemunhos do fracasso de Anna May Wong (Michelle Krusiec), Hattie McDaniel (Queen Latifah) e, sobretudo, Peg Entwistle, uma atriz galesa que se suicidou atirando-se do emblemático sinal de Hollywood.

Longe de querer escrever uma biografia, Ryan Murphy apropria-se de figuras reais – não para as construir para a audiência, por assim dizer, mas sim para as celebrar e lembrar a marca que deixaram (e podiam ter deixado) em Hollywood, bem como os problemas e preconceitos que viveram. Entre as figuras recuperadas para a TV, está o canastrão Rock Hudson (Jake Picking), que sofreu durante décadas o preconceito e homofobia da indústria, a dar os primeiros passos bem longe de casa. É aqui que entra um dos “monstros” mais reconhecidos daquela era: Henry Wilson, um super-agente que abusava dos seus clientes com a promessa de que só ele os conseguiria ajudar no meio. Está aqui uma das surpresas do casting em «Hollywood»: um dos grande vilões da narrativa é interpretado por Jim Parsons, ainda muito colado pelo público ao seu Sheldon Cooper de «A Teoria do Big Bang». Apesar de fazer um trabalho competente, a personagem continua ainda muito marcada e será difícil cortar com esta associação quase inconsciente por parte da audiência.

Com grande destaque para os incríveis fatos e caraterização da série, em linha o imaginário que ainda hoje persiste daquela época, a viagem ao passado de Hollywood é credível e mostra lados que – embora vinculados e manipulados pela ficção – de facto existiram e tantas vezes foram ocultados. A homossexualidade marginalizada – e usada como instrumento de poder por homens brancos em cargos de topo –, o racismo nos castings e na gestão de oportunidades, as ameaças dos grupos extremistas e a banalização das pessoas que corriam para LA em busca do sonho de uma vida são alguns dos exemplos. Com uma dose extra de dramatismo e glamour, ao estilo do que Murphy já nos habituou.